Berlinde de Bruyckere, die de hele zomer in Bozar te zien is, geeft een kijkje in haar innerlijk, waar ze haar wereld van overblijfselen vormgeeft.
Elke ontmoeting met Berlinde de Bruyckere is een spiritueel moment. Haar kinderlijke, doordringende blik, haar dunne, trage maar vaste stem. In de binnenplaats van een uitgestrekt en spartaans gebouw in Antwerpen lijkt ze erover te waken dat ze de lichamen die in haar ateliers liggen niet wakker maakt.
“Het is een voormalige katholieke jongensschool, gebouwd in 1911 en verlaten sinds 1972. Het huis ernaast was dat van de priester. Mijn man, Peter Brunholt, en ik hebben het in 1987 gekocht en gerestaureerd. We verhuren klaslokalen aan jonge kunstenaars die er hun atelier hebben.” Deze 4000 m2 bevinden zich in een arbeiderswijk. “Voor Peter en mij is dat een bron van inspiratie. We wonen al tien jaar in het centrum van de stad, maar onze twee zonen zijn hier opgegroeid, waar ik elke ochtend naartoe loop. Momenteel werken er tien mensen bij ons.” Dat geeft haar de tijd om na te denken: “vormen laten groeien tussen mijn handen is veeleisend werk.”
In het eerste klaslokaal liggen vormen, afgietsels van haar tentoonstelling in Venetië, op de Biënnale, vorig jaar. Ze gaven vorm aan enkele Engelen uit haar cyclus City of Refuge, die aan het begin van de pandemie is ontstaan. In het park van Peyrassol, in Frankrijk, bij verzamelaar Philippe Austruy, staat een van hen boven de wijnranken. In Venetië, in de basiliek van San Giorgio Maggiore, zweefde de mantel van de engelen tussen de zuilen van het schip. “In Venetië is alles verbonden met water”, herinnert ze zich. “Telkens wanneer mijn gedachten op een dood spoor belandden, ging ik naar de oever van het Canal Grande.
Alles leek in elkaar te storten in de weerspiegeling van het water, het licht verstrooide het, brak het.” Met dit thema van de aartsengelen vervolgt ze haar in Venetië begonnen serie van drijvende wasvoeten onder glazen stolpen, gekleed in vellen die engelenvleugels vormen.
In deze eerste ruimte bevinden zich ook haar “keuken” en haar kleurencollectie. “Ik bewerk de boom, het paard en het menselijk lichaam aan de hand van deze afgietsels. In potten en pannen smelt ik de blokken gekleurde was met pigmenten die we zelf samenstellen, volgens een recept dat voor elk werk apart wordt uitgewerkt. Met de was probeer ik de huid na te bootsen.” Er worden lagen was aangebracht op de siliconen kern van het werkstuk. Twee monsters zijn bestemd voor de engelfiguur met een lichaam bedekt met paardenhuid, die in de andere aangrenzende ruimte ligt. Waarom is hij groter dan levensgroot? “Op een sokkel, van een afstand bekeken, worden die grotere lichamen levensgroot.”
Huiden en afgietsels
Ze bewerkt deze huiden sinds 1999. “Destijds stelde niemand mij daar vragen over. Tien jaar later kwamen de vragen, wat ik begrijp. Sommigen, die mijn werk niet bekijken, denken dat ik dieren dood om er sculpturen van te maken of om een schandaal te veroorzaken. In samenwerking met de veterinaire school selecteer ik kadavers van dieren die zijn gestorven door een operatie of ziekte. Tegenwoordig geven we meer om levende wezens. Ik deel dit respect voor het menselijk leven, voor wat wel en niet is toegestaan.” Ze was op zoek naar een omhulsel dat het lichaam liet doorschemeren.
Voor deze schijn bedacht ze niet de kleuren van het menselijk lichaam, maar transparante, donkere of grijze tinten, precies de kleuren van de geprepareerde huiden. Dit imitatiewerk kost tijd… Rond een siliconen afgietsel op een frame van epoxy en ijzer maakt ze een figuratieve sculptuur van was, de vorm van het lichaam, de beweging van de benen, heupen, schouders en het hoofd. “Vervolgens omhul ik de sculptuur met de voorbereide huid en dan beslissen we over de kleuren van de waslaag die eroverheen komt. Ik gebruik was sinds 1998. Ik was op zoek naar een materiaal waarmee ik realistische voeten en benen kon maken. Ik dacht aan figuren die in dekens gewikkeld waren en de indruk wekten van een menselijke aanwezigheid.”
Ze verdiepte zich in figuratieve kunstenaars die met was werken, zoals de Amerikaan Duane Hanson. Ze bestudeerde uitgebreid de figuren van Madame Tussaud, het museum in Londen, en het Musée Grévin in Parijs. “Ik heb met vallen en opstaan het recept voor was en de pigmentatie ervan geleerd.” Steen, marmer en hout verschillen van echte huid, waar was het meest op lijkt. Dankzij haar techniek van siliconen afgietsels en directe kopieën van het echte object – de boom, het lichaam – kan ze elk detail in dit zachte materiaal vastleggen. “Lucas Cranach, een grote inspiratiebron, heeft me op dit pad geleid. Ik heb zijn manier bestudeerd, die gelaagde techniek waarmee hij een helderder licht krijgt dan dat van echte huid.”
Haar inspiratiebronnen variëren van Christus tot de met kappen bedekte figuren van Abu Ghraib, van christelijke beeldtaal tot hedendaagse situaties. Een van haar werken is geïnspireerd op een schilderij van Piero della Francesca, La Madonna del Parto (1460), waarop de Madonna haar mantel opent en haar seksualiteit door de stof heen onthult. “Dit is de eerste keer dat ik met vrouwelijke seksualiteit werk: ik wilde de fallische vorm en de gebaren van de vrouw met elkaar verbinden.”
De zachte en kwetsbare was drukt de invloed van de tijd op het organische en het niet-organische uit. “Het is een levend en resistent materiaal, soepel in de zomer, rigide in de winter: bij -20°C is het zo breekbaar als glas, een kwetsbaarheid die de toestand van levende wezens uitdrukt. Droog, gefixeerd en solide lijkt het onbeweeglijk, geconserveerd, maar behoudt het zijn zachtheid. Bij de montage leggen we het op kussens, omdat de uitgehaalde was kwetsbaar is. Toch zijn de wassen modellen van de medische scholen uit de 16e en 17e eeuw nog intact. Het laat vervormingen toe met een vrijheid die andere materialen niet bieden.”
Van was tot hout
De eerste twee klaslokalen zijn gereserveerd voor wassen beelden, het derde voor textiel en paardenhuiden. Ze bieden een warm licht, maar omdat de deuren te smal zijn voor grote sculpturen, heeft ze haar houtatelier ingericht in een nieuwe ruimte met kouder noorderlicht.
« Ik ga uit van een gevonden voorwerp, nooit van een nieuw stuk hout»
“Ik ben geen klassieke beeldhouwster die met academische materialen werkt. Mijn sculpturen vormen een combinatie van materialen met de geschiedenis van anderen.” Zo bracht de tentoonstelling “Sacred Made Real” in 2009 in de Royal Academy in Londen, waar de veelkleurige houtsculpturen van Velazquez, Ribera en Zurbaran te zien waren, haar naar beschilderd hout. “Ik heb afbeeldingen van veelkleurige sculpturen bestudeerd, een techniek die dicht bij mijn praktijk ligt, aangezien ik meerdere lagen aanbreng. De polychromie is verdwenen uit dit beschilderde hout, alleen de wortel blijft over, kwetsbaar, vergelijkbaar met mijn wassen. Sommige zijn beschadigd door de tijd, aangevreten door insecten. Die imperfectie interesseert me. Ik ga uit van een gevonden voorwerp, nooit van een nieuw stuk hout.”
En inderdaad, in het midden staat een massief stuk. “Het was een stuk brug, hier vlakbij, door arbeiders op de weg neergelegd, een object dat ik bestudeer om er een sculptuur van te maken. Deze stukken hout inspireren me om ze in was te vertalen, met het gevoel van de stijfheid van het hout. Aan de muur hangt een foto die in Frankrijk is genomen, een boom die door een boer op zijn akker is verbrand.”
Duizenden beelden voeden een andere vorm die ze onderzoekt: haar schilderijen van oud papier, gemaakt van een armzalig en puur materiaal, vastgemaakt met touw en spijkers, in een metalen frame van 200 kilo, met daarop een zeer dun glas. “Ik meng er oude vlaggen van religieuze rituelen in, door de tijd gevormd weefsel, dat een materiaal met een ziel is geworden, verbonden met alle elementen.”
Het zijn deze waardeloze, uit het niets gekomen, bijna onbestaande voorwerpen, die haar leven als standvastige en kwetsbare beeldhouwster vorm geven.
